El Acceso al Arte y la Cultura. Derecho Constitucional de los Mexicanos

El Congreso General de los Estados Unidos Mexicanos, declaró reformados y adicionados los artículos 4o. y 73 de la Constitución Política de los Estados Unidos Mexicanos. Los artículos se publicaron en el Diario Oficial de la Federación y quedaron como sigue:

Artículo 4o. …

“Toda persona tiene derecho al acceso a la cultura y al disfrute de los bienes y servicios que presta el Estado en la materia, así como el ejercicio de sus derechos culturales. El Estado promoverá los medios para la difusión y desarrollo de la cultura, atendiendo a la diversidad cultural en todas sus manifestaciones y expresiones con pleno respeto a la libertad creativa. La ley establecerá los mecanismos para el acceso y participación a cualquier manifestación cultural”

Artículo 73. …

I. a XXIV

XXV. “Para establecer, organizar, y sostener en toda la República escuelas rurales, elementales, superiores, secundarias, y profesionales; de investigación científica, de bellas artes y de enseñanza técnica, escuelas prácticas de agricultura y de minería, de artes y oficios, museos, bibliotecas, observatorios, y demás institutos concernientes a la cultura general de los habitantes de la nación y legislar en todo lo que se refiere a dichas instituciones; para legislar sobre vestigios o restos fósiles y sobre monumentos arueológicos, atísticos e históricos, cuya conservación sea de interés nacional; así como para dictar las leyes encaminadas a distribuir convenientemente entre la Federación, los Estados y los Municipios el ejercicio de la función educativa y las aportaciones económicas coorrespondientes a ese servicio público, buscando unificar y coordinar la educación en toda la República. Los Títulos que se expidan por los establecimientos de que se trata surtirán sus efectos en toda la República. Para legislar en materia de derechos de autor y otras figuras de la propiedad intelectual relacionadas con la misma”.

XXVI. a XXIX-N. …
XXIX-Ñ “Para expedir leyes que establezcan las bases sobre las cuales la Federación, los Estados, los Municipios y el Distrito Federal coordinarán sus acciones en amteria de cultura, salvo lo dispuesto en la fracción XXV de este artículo. Asimismo, establecerán los mecanismos de participación de los sectores social y privado, con objeto de cumplir los fines previstos en el párrafo noveno del artículo 4o. de esta Constitución.

Maestría en arte. Con énfasis en Educación Artística y Gestión

El H. Consejo Universitario de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, aprobó en su sesión ordinaria del mes de abril de 2009 el diseño del programa de MAESTRÍA EN ARTE, posgrado con énfasis en Educación Artística y Gestión.
Este posgrado fue incluido en la oferta educativa a iniciarse en el mes de agosto con el nombre de Maestría en Investigaciones Artísticas.

La MAESTRÍA EN ARTE tiene como objetivo:

Formar profesionales capaces de profundizar y aplicar el conocimiento relativo a la educación artística y la gestión del arte de los bienes del patrimonio cultural tangible e intangible así como las habilidades para diseñar estudios relacionados con el arte.
Esta es una maestría profesionalizante, enfocada a egresados de diversas licenciaturas interesados en desarrollar estudios y proyectos de intervención en los siguientes ámbitos:

1. El estudio de las obras de arte
2. La apropiación del arte  por parte de los públicos y de los individuos mediante el consumo cultural
3. La práctica de las artes

Los campos específicos para el estudio y el desarrollo de los proyectos de intervención son:

1. Desarrollo del sistema sensorial humano y de la sensibilidad artística
2. Desarrollo de la creatividad
3. Desarrollo del pensamiento creativo, crítico y reflexivo
4. Salvaguarda del patrimonio natural y cultural, tangible e intangible
5. Acceso y apropiación de bienes artístico-culturales
6. Nuevas visiones e innovación educativa en arte
7. Inclusión social, política y ciudadana
8. Seguimiento al cambio en educación artística y estética

Para mayor información de la convocatoría y el pre-regsitro visita:

 www.arteygestion.com.mx

La obra de Marcel Duchamp

Por Roselin Rodríguez Espinosa

Mitos en la Historia del Arte. 

Acercamiento historiográfico a la Obra de Marcel Duchamp.

Marcel Duchamp, uno de los “artistas” más influyentes del siglo pasado, ha sido el  más controvertido de la historia del arte en  los últimos tiempos; en parte por  el hermetismo que caracterizo al autor y su obra y, sobre todo, por lo revolucionario de su propuesta: un arte orientado a la mente, y no a la retina.

Se ha escrito y dicho mucho sobre  Duchamp desde su impacto en el Armory Show. A pesar de que su obra fue una deconstrucción manifiesta al moderno sistema de las artes y el que el autor siempre marcó distancia ante categorías “artísticas”, el sistema lo reabsorbió y le dio nombre en su historia (más de uno). Así, una obra donde convergen tantos elementos, relaciones e influencias ha tenido disímiles  reinterpretaciones. La polémica en torno a su revolucionaria propuesta es tan polarizada que resulta difícil formarse un criterio sólo a partir de la crítica. En busca de una justa interpretación, además de una profunda sensibilidad, se requiere un análisis historiográfico.

El péndulo de la opinión va desde las categorías más estereotipadas (enciclopédicas) hasta la excesiva mitificación de su obra. Así mismo entre la repulsa total, generalmente de un público común, hasta el endiosamiento por parte de algunos críticos. Se encuentran pocos puntos de equilibrio y ambos extremos causan el mismo efecto: alejarse de la propuesta inicial.

De una obra que intentó ser un signo de interrogación a través de la ironía, y una “crítica al moderno sistema de las artes”[1], resulto una categoría: “anti-arte”. Así, a pesar de que el autor jamás se expresó a través de ningún movimiento, es aceptado comúnmente como dadaísta. El hecho de elegir objetos de la vida social y resignificarlos en los ready-mades, ha significado que el autor pretendía que “todo es arte”. De este modo, de categorías excluyentes y extremas como anti-arte y “todo-arte”, oscilan opiniones, lamentablemente generalizadas en un público poco informado en estos temas. 

Se pueden identificar puntos clave en el debate “mitificador” en torno a su figura y su obra: Duchamp como representante del anti-arte, como dadaísta, como promotor de la “muerte del arte” o del “todo es arte” con los ready-mades y otros mitos más herméticos propuestos por Octavio Paz, principalmente. El  propio Duchamp en una ocasión, luego de leer los escritos de Paz, le envió una nota donde decía: “gracias he aprendido mucho”.

Con la intención de trazar un panorama analítico de los mitos duchampianos, en este punto del debate, se orienta este ensayo. (Consultar artículo completo, La obra de Marcel Duchamp).

---

[1] Paz, Octavio. Apariencia desnuda. La obra de Marcel Duchamp, Ed. Era, México D.F, 1973, p.9.

Bad painting

Por Alba Iris Velasco

El término aparece en 1978 en Nueva York, dando título a una exposición de Neil Jenney. Esta es una pintura figurativa libre, considerada  dentro del neoexpresionismo. Juega con el eclecticismo de referencias y modelos, y con la heterogeneidad de los materiales, haciendo una combinación de arte popular, fuentes históricas, kitsch, arte tradicional, agregando ideales y fantasías personales del artista.

La bad painting, plantea algunas cuestiones polémicas acerca de la naturaleza y el uso de las imágenes, descartando los modos clásicos del dibujo con el fin de presentar otra visión del mundo, agregando a las obras un humor a menudo sarcástico, haciéndolas intensamente personales. Es un movimiento que cuestiona a la pintura en sí misma a través de métodos y estrategias basadas en lo “incorrecto” o lo “feo”, un modo de abrir nuevos canales que susciten la expresión artística. (Ver artículo completo, bad-painting2).

Neo Dadá

Comenzamos con nuestros artículos dedicados a los movimientos artísticos influenciados por la figura de Marcel Duchamp. Esta vez toca el turno al Neo dadá o Neo dadaísmo.

Por Joaquin Zambrano González

—

                      (Mujer con Bicicleta, De Kooning 1952-53)

 

 

El Neo dadá es una corriente artística que se surge a finales de los años 50 y principios de los 60, como reacción al arte del expresionismo abstracto. Tiene como objetivo colocar objetos  y productos extraídos de la vida cotidiana y formar con ellos nuevas estructuras artísticas.

 

 

Reinterpreta el nihilismo dadaísta en sentido esteticista como apertura de los limites tradicionales de la estetica. Supone un abandono definitivo de la estética de los sublime de expresionistas abstractos como Rothko y Newman, y del revisionismo de los aspectos más conflictivos de la vanguardia histórica. (Ver artículo completo, neodada).

La influencia de Marcel Duchamp en el arte

Marcel Duchamp considerado como uno de los grandes exponentes del arte en el siglo XX, es un personaje importante tanto por su obra como por las reacciones que este originó en las nuevas corrientes y movimientos artísticos, su visión del arte traspaso a la obra misma influenciando a los estilos venideros. 

Algunas de sus aportaciones principales son las siguientes:

1.- El humor como estrategia del medio artístico.

           *Neo Dadá

           *Bad Painting

           *Kitsch

2.- Cuestionamiento al concpeto de obra única

           *Land Art

           *Fluxus

3.-Arte como gesto o creación.

          *Procces Art

          *Performance

          *Body Art

          *Happening

          *Accionismo Vienés

4.-Reciclaje; ensamble de la cultura de la vida moderna.

          *Funkart

          *Assemblage

          *Nouveau Realism

          *Arte Povera

          *Junk Sculpture

5.-El concepto es más importante que la técnica.

          *Conceptual

          *Situacionismo

6.-Cuestionamiento al concepto de la autoría.

         *Apropiación

         *Pop Art

7.- Arte como máquina.

         *Op Art

         *Arte Cinético 

(Texto tomado de apuntes de la materia de Historias de las Ideas Estéticas III, impartida por Mario Hernández Gzl.)

En este blog se le dedicará un espacio a cada uno de estos movimientos , en donde se podrán encontrar presentaciones de estos temas esperando que los puedan encontrar interesantes y útiles, los contenidos de las presentaciones son responsabilidad de sus autores.

Los horrores de Francis Bacon

Por Adriana Rodríguez Ruiz

“Bacon ha pintado el grito,

a nuestro juicio, admirablemente;

y, aunque confesaba que

siempre deseo pintar la sonrisa,

según él, nunca pudo.”

(Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión)

Bacon, junto con otros pintores marcan pauta para dar seguimiento a que surja una nueva corriente. Algo llamado la “Nueva Generación” proponía una mezcla de distintas técnicas para impactar con nuevas ideas. Entonces como precursor de algo nuevo en el arte, tiene que ser ineludiblemente nombrado por los críticos. Francis Bacon es nombrado por el horror, la melancolía, la tristeza y el rencor en sus cuadros. Es nombrado también por su violenta vida. Es nombrado por impulsar a la creación de algo que no existía. Por ser hablado en muchas bocas y ser controversial, en cuánto a arte y valores significa; por eso es vulnerable a ponerlo en el foco.

…Para Ficacci, la consecuencia interpretativa de las pinturas de Bacon se puede resumir a lo increíblemente trágica que resulta la existencia del ser humano. La representación que hace Bacon acerca del sentimiento de existencia se refleja en una expresión violentamente trágica. Lo que la sociedad determina como realidad objetiva, Bacon lo adopta como una apariencia; de esta manera él resuelve que a través de la pintura es la única forma en que lo real toma un valor actual y evidente. Ficacci afirma que la interpretación de ese sentimiento de vida en la pintura (el cual esta cargado de energía explosiva y desesperación), llega a ser aún más auténtico que lo realista. Incluso asevera que el éxito pictórico que surge de las obras de Bacon, responde a lo alejadas que están de la realidad; lo cual es indicio de un verdadero artista del siglo XX. No obstante, aunque en sus formas no figura una tendencia realista, Bacon se alimenta de la realidad para dar proyección a su obra…

….Bacon define a la práctica como el elemento fundamental de la ejecución de la obra. Según Ficacci, la práctica debe tomar tal importancia para preceder la teoría, la cual se encuadra en un sistema racional de prejuicios. Entonces, Bacon se sostiene sobre la hipótesis de que la práctica es la única manera de quebrantar ese sistema racional, pues se necesita no sólo la misma razón, sino la subversión de ésta para alejarse de dicho sistema. Por otra parte, es mediante la práctica que se puede adquirir una multiplicidad de direcciones y no encausarse sólo a una en específico. Ficacci hace algo de énfasis en este aspecto, ya que menciona el hecho de que el impacto que provoca Bacon se debe a que no se encierra ni recae en una temática definida, en las obras de Bacon no se observa un único tema delimitado. Sino que la constante que se percibe en sus cuadros es la realidad que conmueve la sensibilidad más profunda y oscura del individuo. Por este motivo, Bacon representa el espíritu actual del siglo XX, lo define la autenticidad. Más allá de nacer como elección temática previa, lo despiadado de sus obras, lo extremo y desesperado, nace como una actitud. Así, Luigi Ficacci se atreve a decir que “…Bacon es un artista indispensable para la conciencia del hombre moderno”… (Ver artículo completo, los-horrores-de-francis-bacon).

La libertad dividida en aire, muerte y camino.

“LA LIBERTAD DIVIDIA EN AIRE, MUERTE Y CAMINO”

JUAN ARMENTA

TINTA SOBRE PAPEL

49.5 X 34.5cm

Por Erik Sánchez Pimentel.

Esta obra aborda tres cuestiones principales por un lado el sentido filosófico que nos invita a reflexionar en torno a la libertad; como lo muestra el personaje que se encuentra doblegado y que es la representación de una libertad que en muchas ocasiones se ve sometida por diversos factores, nos cuestiona ¿qué es la libertad? ¿Es la libertad permitida a todos, incluso aquellos que aceptamos que para toda causa hay una reacción? ¿Cómo se llega a la libertad conciente?, no es de extrañarse que sea una cuestión metafísica por la cual el ser humano se haya preocupado a lo largo de la historia y que aún en la actualidad sigamos preguntándonos ¿hasta qué punto somos personas libres? Puesto que condiciona nuestro transito por éste mundo además de que se encuentra sujeta a nuestra condición de mortales y nos muestra que lo único certero con lo que contamos es la muerte.

El sentido lírico-poético al igual que en varias de las obras de Juan Armenta se hace presente en ésta obra y refleja la pasión del artista por la poesía y que transmite en sus dibujos por medio de sus trazos, sus formas y figuras, la influencia un tanto cuanto Baudelerianas y de los conocidos como “poetas malditos”, así como la poesía propia del artista que en diversas ocasiones antecede a sus obras con un texto poético que después servirá para plasmar la idea formal de la obra y que posteriormente es destruido.

Un tercer factor es el carácter estético el cual se plantea desde una perspectiva contemporánea donde las cuestiones trascendentales siguen siendo temas recurrentes pero con un enfoque físico que nos sitúan en el mundo terreno y nos hacen concientes de nuestra condición mortal, lo efímero se hace presente, la crítica a una sociedad que nos limita a vivir con una libertad condicionada o “dividida”, y que nos aleja de la libertad conciente que podría ser la redención del ser humano. A su vez el personaje parece integrarse y fragmentarse al mismo tiempo por un cordón umbilical que brota del camino que bien podría ser de ida o vuelta, las tonalidades en blancos y negros, sombras y luces se conjunta con el resto de los elementos para suponer un ambiente un tanto decadente que refleja belleza, pero una belleza exótica que nos crítica y nos consuela al mismo tiempo.

(Consultar más acerca de este artista).

Nuevas Entradas de Arte y Gestión

Por: www.arteygestion.com.mx

Al respecto de las Industrias Creativas

Publicó Xenia Viladàs en su blog xviladas.blogspot.com la siguiente entrada que reproducimos a continuación a respecto de las Industrias Creativas, que es uno de los campos de acción de nuestros futuros egresados… (Ver artículo completo, http://arteygestion-mx.blogspot.com/2009/02/al-respecto-de-las-industrias-creativas.html).

 

Informe de actividades 2008, M. en Admón Mario Andrade Cervantes

El M. en Admón. Mario Andrade Cervantes, Decano del Centro de Ciencias del Diseño y de la Construcción, rendirá el Primer Informe de actividades correspondiente al segundo periodo de 2008…(Ver artículo completo, http://arteygestion-mx.blogspot.com/2009/02/el-m.html).

 

 

 

 

 Maestría en arte y gestión

 

 

 

 

 

 

Gilles Lipoweski en México.

El pasado mes de octubre, durante el Congreso Internacional de la Moda de Madrid, profesores d nuestro centro participaron en la conferencia del afamado sociólogo francés Gilles Lipoweski y le trasmitieron su interés de que asistierá a actividades académicas a nuestra universidad… (Ver artículo completo, http://arteygestion-mx.blogspot.com/2009/02/gilles-lipoweski-en-mexico.html).

Divagaciones Decadentes de las Flores del Mal

Por Erik Sánchez Pimentel.

¿Por qué divagaciones, por qué decadentes, por qué flores del mal?

Este ensayo se basará principalmente en una de las grandes obras de Baudelaire: “las flores del mal”, por algunos considerada como la obra cúspide del autor además de ser la obra que desató toda clase de polémicas e incluso llegó a ser censurada, aunque no es la crítica, ni la polémica lo que nos lleva a las “las flores del mal”, sino el estilo literario, aquí se hace evidente el estilo decadente y sin lugar a dudas la nueva forma de concebir lo bello y la poesía.

Aunque el ensayo estará apoyado también por “los paraísos artificiales”, otra de las obras del poeta, su fundamento recaerá sobre las flores del mal, y sólo dejaremos abierta la posibilidad de una relación entre éstos paraísos artificiales que bien podrían ser el lugar donde crezcan éstas flores del mal, además de que nos permitirán ir vislumbrado el mencionado estilo decadente.

Cuando me refiero a decadente, podrá tener dos acepciones, la primera que tiene que ver con un estilo literario que se caracteriza por el excesivo cuidado en el estilo, y, la segunda que estará asociada a la vida y poesía de Baudelaire, quien llevó una vida de bohemio; excesos, drogas, un hombre de la noche: decadente, todo esto  se ve reflejado en su obra y culmina en un placer orgiástico de una belleza que podríamos denominar: la belleza del mal.

En la acepción común de la palabra divagaciones entendemos que se refiere a; separarse del asunto de que se trata, hablar o escribir sin idea fija y determinada, en el caso de nuestro ensayo no establece que vayan a ser una serie de ideas sueltas y sin una directriz a seguir, sino que responde al espíritu bohemio, estas divagaciones estarán dirigidas por el objetivo que es entrelazar la poesía de las flores del mal con la belleza del mal y el estilo decadente en los versos de Baudelaire, pero que a pesar de estar entretejidas nos darán la flexibilidad  para expresar las posturas, opiniones y críticas de una forma a fin a la sensibilidad y al tornado de sensaciones que evoca leer una obra como las flores del mal… (Ver artículo completo, divagaciones_decadentes_de_las_flores_del_mal).